Am 30. Mai ist unsere Ausstellung François Boucher. Künstler des Rokoko zu Ende gegangen. Fast sieben Monate waren die Werke des Künstlers bei uns zu Gast, nur gut drei Wochen davon konnten wir sie öffentlich zeigen. Vorgestellt hatten wir es uns natürlich ganz anders: Die Ausstellung sollte ein Angebot sein für ein konzentriertes und vertieftes Wahrnehmen, für sinnliche Erfahrungen und anschauliches Lernen. Wir wollten zu einer „Reise“ ins 18. Jahrhundert einladen, um den Horizont der eigenen Kenntnisse und Erlebnisse zu erweitern, historische mit heutigen Vorstellungen abzugleichen und um sich zu erfreuen. Und wir hatten auf intensive Gespräche mit unseren Besucherinnen und Besuchern gehofft, die nun überwiegend online stattfanden.

Ein Künstler, der in seinen vielfach stilllebenartigen Kompositionen das genussvolle Erkunden zeichnerischer und malerischer Oberflächen, die Kontemplation des Augenblicks zum Thema machte, dessen Werk die Spannung zwischen Nähe und Distanz reflektiert und sich jenseits erlebbarer Realität als ideale Fiktion formuliert, hat in dieser ungewöhnlichen Zeit dennoch besondere Aktualität erlangt. Die Rundgänge durch ein geschlossenes Haus, der Anblick der ungesehenen Werke schmerzte, weil die Zeichnungen und Gemälde in den dunklen Räumen ihre Wirkung nicht entfalten konnten. Ihnen fehlte ein waches Gegenüber, das sie durch seine Blicke, Gedanken und Emotionen in ihrer Vielgestaltigkeit zu neuem Leben erweckt hätte.

Doch die Tage, an denen die Türen des Hauses geöffnet waren, haben uns gezeigt, wie befreiend die Begegnung mit Kunst erlebt werden kann. Die Einschränkungen der vergangenen Wochen und Monate haben auch eine neue Intensität der Wahrnehmung ermöglicht. Kunst wurde dabei keineswegs nur als zerstreuendes Vergnügen erfahren, sondern als eine lebensgestaltende Notwendigkeit.

Museen als kommunikative Orte der Begegnung und des Gesprächs, als unabhängige Orte der Reflexion, des Erlebens und auch der Irritation haben gefehlt. Und wir wissen nun umso besser, wie nötig sie für uns sind!

Die Macht Madame de Pompadours wuchs indessen ins Unermessliche. Auch den Porträts, die die besten Maler jener Zeit von ihr schufen, ist diese Veränderung anzumerken: Hatte sich die Marquise zuvor noch als Jagdgöttin Diana oder Sultanin malen lassen, bevorzugte sie nun Porträts, die ihre – bereits verblassende – Schönheit zelebrierten oder die sie als die umfassend gebildete Frau zeigten, die sie tatsächlich war. Eines dieser Porträts, gemalt von François Boucher im Jahr 1756, zeigt sie auf dem Höhepunkt ihrer Macht, als sie in den Stand einer Herzogin erhoben wurde und bevor ihre unglückselige Einmischung in den Siebenjährigen Krieg ihre Reputation endgültig ruinieren sollte.

Allgemein gilt die Marquise de Pompadour als Inbegriff der verschwenderischen und machtbesessenen Mätresse. Tatsächlich gab sie hohe Summen für ihre Schlösser aus, sah sich selbst allerdings als Förderin der Künstler und der Philosophen, mit denen sie bereits in ihren Pariser Jahren verkehrt hatte und die ihre Lehrer gewesen waren. Auch dies wollte sie mit ihrem neuen Porträttypus unterstreichen. Doch forderte das anstrengende Leben in Versailles mit seinen ständigen Machtkämpfen seinen Tribut und die von jeher unter einer schwachen Konstitution leidende Marquise starb 1764 im Alter von nur 42 Jahren.

Im Zeitalter der Liebesheiraten in den Königshäusern ist das Vorhandensein einer neuen Madame de Pompadour eher unwahrscheinlich und das Auffliegen einer solchen Liaison – man denke nur an die Ménage-à-trois von Charles, Diana und Camilla – könnte zur ernsthaften Bedrohung einer Monarchie werden, die heute von der Gunst des Volkes abhängig ist. „Nach uns die Sintflut“ ist da keine Option.

Außerdem sind es gerade die bürgerlichen Ehefrauen, die heute das Rückgrat der Königshäuser darstellen und oft beliebter sind, als so mancher Blaublüter, der mit seinen Eskapaden in die Schlagzeilen geraten ist. Sie gelten als bodenständig, sympathisch und im besten Fall als stilsicher.

Galten Bürgerliche wie eine Jeanne-Antoinette Poisson früher als Eindringlinge in eine vom Adel beherrschte Welt, sind die bürgerlichen Fürstinnen und Fürsten von heute ein wichtiger Garant für die Daseinsberechtigung und den Fortbestand einer modernen Monarchie.

In den mythologischen Darstellungen nutzt er Putten um spielerische Situationskomik hervorzurufen. Diese kindlichen Engelsfiguren zeigt er beim geschäftigen Agieren mit allerlei Gegenständen. Unwillkürlich distanzieren wir uns vom eigentlichen Bildthema und schenken diesen teils tollpatschigen Knaben unsere ungeteilte Aufmerksamkeit.

Nur wenig ist über den Charakter des Malers oder dessen Begeisterung für humorvolle Volten überliefert. Dennoch können wir uns heute dem Eindruck nicht erwehren, dass er bei der Erschaffung seiner Gemälde und Zeichnungen mit Freude am Werk war. Mehr als 250 Jahre später empfinden auch wir noch Witz und Ironie beim Anblick seiner Werke. Es lohnt sich also genau hinzuschauen!

Die Technik der Pastellmanier wurde von Zeitgenoss*innen sehr geschätzt, da hier im Unterschied zum empfindlichen Pastell die Darstellungen vor Abrieb geschützt und leichter zu transportieren waren. Die gerahmten Druckgrafiken wurden neben Zeichnungen in den Appartements der Oberschicht präsentiert. Die Illusion war so überzeugend, dass aus der Distanz auch für Expert*innen kaum ein Unterschied festzustellen war. Diese Grafiken nach Boucher finden sich heute in Museen und Privatsammlungen weltweit und faszinieren als hochqualitative Werke des 18. Jahrhunderts.

Seitdem haben sich technische Möglichkeiten erheblich erweitert. Der Wunsch, die eigenen vier Wände mit Kunstwerken zu schmücken, bleibt bestehen. Faksimiles von Werken aus musealen Sammlungen sind in allen Preisklassen und Qualitätsstufen zu erwerben. Digitale Reproduktionstechniken und in großer Auflage maschinell gedruckte Grafiken bedürfen heute anderer technischer Voraussetzungen. Sind die Wiedergabe spezifischer Materialeigenschaften und exakte Farbtreue weiterhin die Kriterien für möglichst genaue Imitationen?

Verbreitung künstlerischer Ideen

Reproduktionsgrafiken ermöglichten die weite Verbreitung der Bildfindungen Bouchers und trugen wesentlich zu dessen Bekanntheit bei. Ausgeführt nach Gemälden und Zeichnungen des Malers, geben sie die Kompositionen detailgenau wieder und beeindrucken in ihrer künstlerischen Qualität. Ihre Beschriftungen informieren über Titel, Erfinder der Darstellung mit „F. Boucher Pinxit“ („F. Boucher hat gemalt“) oder „ F. Boucher Delineat“ („F. Boucher hat gezeichnet“), ausführende Hand durch „Sculpsit“ („hat gestochen“), Eigentümer*innen der Werke und eröffnen mögliche Interpretationsebenen der Darstellung durch Gedichte oder Zitate. Sie sind für uns eine wichtige Quelle zum Sammlungswesen und zur Rezeptionsgeschichte des 18. Jahrhunderts.

Qualitätsstandards

Boucher galt als extrem arbeitsamer Künstler, der der Qualität seiner Werke einen hohen Stellenwert beimaß, da seine Kompositionen so bekannt wurden, dass sie das Bild des Künstlers prägten. Als Reproduktionsgrafiken nach seinen Kompositionen nicht seinen Erwartungen entsprachen, verkündete er dies auch öffentlich in der Zeitschrift „Mercure de France“.

Freudiges Stöbern

Die Online-Sammlung der Kunsthalle Karlsruhe wird stetig erweitert und bietet einen reichen Schatz an Werken, die zum Erkunden einladen und als Inspiration für die eigene Kreativität genutzt werden können – vielleicht in der Rubrik Art of Creating Stuff der Kunsthallen-Anwendung Art of?

Boucher galt als extrem fleißiger Künstler, war vielseitig interessiert und nahm aktiv am gesellschaftlichen Leben teil. Er begeisterte sich für das Theater sowie die Musik seiner Zeit und besuchte häufig die Salons von Madame Geoffrin. Sie organisierte wöchentliche Treffen zum Austausch über Kunst und Literatur, bei denen auch zahlreiche Förder*innen des Malers verkehrten – wie beispielsweise die spätere Madame de Pompadour. Boucher war wohl ein gern gesehener Gast, da seine Neugierde vielen Bereichen galt. Seine Privatbibliothek umfasste knapp 7.000 Bände und zeugt von seinem literarischen Interesse. Gepaart mit einer ausgeprägten Einbildungskraft übertrug er dieses Wissen in anmutige Bilderzählungen. Zugleich präsentierte er in den Räumen neben seinem Atelier im Louvre seine umfangreiche Privatsammlung, die unter anderem Kunstwerke, Objekte aus fernen Ländern oder Schalenweichtiere umfasste. Diese Gegenstände nutze er als direkte Inspirationsquelle für seine Darstellungen.

Ungeachtet der wenigen historischen Quellen zur Privatperson, erscheint uns Boucher als facettenreicher Künstler, der wesentliche Eigenschaften in sich trug, die wohl heute noch als Grundlage für Erfolg gelten: Begeisterungsfähigkeit, Leidenschaft und handwerkliches Können gepaart mit einer gehörigen Portion Humor und Lebensfreude.

Bouchers Leben erzählt von Aufstieg und Fall und so wurde der Künstler für den in Ostberlin tätigen Dramatiker Peter Hacks (1928–2003) zu einem Modell für die Wendezeit und zu seinem eigenen Alter Ego. In seiner Komödie Der Maler des Königs aus dem Jahr 1991 zeichnet er das Bild eines verkannten, vereinsamten, verbitterten und zugleich geistreich-ironischen Künstlers, der als scharfzüngigen Beobachter eine veränderte Zeit betrachtet.

Auch wir wollten genauer hinschauen! Unsere Ausstellung lädt zum Entdecken eines Künstlers ein, dessen Werk die Lust an der malerischen Verführung zeigt, der humorvoll, auch ironisch auf die Dinge blickt und malerisch seine eigene Welt entwirft.

Die Gestaltung der Tapisserien basiert auf den gleichen, zweidimensionalen Kompositionsprinzipien wie Gemälde. Boucher entwarf die Darstellungen in kleinformatigen, skizzenhaften Ölstudien, die er zumeist in Grau- oder Brauntönen ausführte. Anschließend wurden diese in farbige Gemälde überführt, die in den Manufakturen von den „cartoniers“ (auf diese Tätigkeit spezialisierte Maler*innen) auf die gewünschten Maße vergrößert wurden. Diese Kartons nutzten die Wirker*innen – so bezeichnete man die Berufsgruppe, die mit der Ausführung beauftragt war –  schließlich als Vorlage für die Tapisserien.

Bedingt durch das Material und den Herstellungsprozess unterscheiden sich die Wandbehänge in ihrer Wirkung stark von der Malerei. Anstelle eines individuellen Pinselduktus, der auf die Hand des Malers verweist, gibt die gleichmäßige Wirkstruktur keine direkten Hinweise auf die Gestaltenden. Teilweise arbeiteten mehrere Wirker*innen Monate oder Jahre an den aufwendigen Tapisserien.

Man unterscheidet im Herstellungsprozess zwischen vertikal und horizontal gewirkten Teppichen, die entsprechend am Hoch- bzw. Flachwebstuhl angefertigt werden. Die Manufaktur in Beauvais war auf die Produktion von basselisse-Tapisserie am horizontal ausgerichteten Flachwebstuhl spezialisiert. Das Resultat unterscheidet sich optisch nicht vom Produktionsverfahren der hautelisse (am Hochwebstuhl gewirkt), wie es in der königlichen Manufaktur der Gobelins praktiziert wurde. Grundsätzlich beruht die Technik auf dem Wechsel zwischen passiven und aktiven Fäden: Das passive Fadensystem wird als „Kette“ bezeichnet und ist gewissermaßen die Grundstruktur auf die im Webstuhl die aktiven Fäden (bezeichnet als „Schuss“) gewirkt werden, die die Motive bilden.

Im Unterschied zum Weben wird bei der Bildwirkerei der Faden nicht über die gesamte Breite durchgeschossen, sondern nur in dem Bereich hin- und zurückgewirkt, wo die Farbe auf dem Karton zu sehen ist. Diese aufwendige manuelle Arbeit ermöglicht feinste Farbabstufungen. Zusätzliche Effekte werden durch die abwechselnde Verwendung von matter Wolle und glänzender Seide erreicht.  Die Wirker*innen nutzten Seidenfäden, die zusammen mit Gold- und Silberfäden im Kerzenschein wohl besonders eindrucksvoll glänzten. Die Fäden wurden mit natürlichen Farbstoffen gefärbt, die Pflanzen, Tieren oder Mineralien entstammten. Heute sind die ehemals strahlenden Farben häufig verblast und goldene Akzente sind schwarz oxidiert.

Dies gilt auch und im Besonderen für den Besuch von Ausstellungen. Allein, zu zweit oder in der Gruppe, selbst entdeckend, im Gespräch mit Spezialist*innen oder dem Katalog in der Hand. Seit Jahren gehören Audio- und Multimediaguides zu den beliebten Begleitern bei Museumsbesuch. Sie erlauben ein Höchstmaß an Unabhängigkeit, schirmen von der Umgebung ab, können hier ein- und dort ausgeschaltet werden. Und sie geben Impulse für die Betrachtung, bieten aber auch Reibungsflächen, an denen sich eigenen Gedanken schärfen können. Auch zu unserer Ausstellung „François Boucher. Künstler des Rokoko“ ist ein Audioguide entstanden, der Anregungen beim Schauen geben und eine Einladung zum Betrachten von zu Hause sein möchte.

Die Darstellungen weiblicher Akte, vielfach im Gewand der Mythologie als Venus oder Diana gezeigt, wurden im 18. Jahrhundert von Frauen wie Männern erworben. Bouchers Kunst galt lange Zeit als feminin, wurde im negativen Sinne als verweiblicht, als unheroisch oder auch geziert beschrieben und als Zeichen weiblicher Vorherrschaft in der Zeit des Rokoko betrachtet. Man kann berechtigte Zweifel an dieser Lesart anmelden. Doch steht außer Frage, dass Frauen von großem Einfluss in der gehobenen Gesellschaft des 18. Jahrhunderts waren und mit ihrem Geschmack die Kunstproduktion ebenso prägten wie Männer.

Die viel drängendere Frage jedoch scheint, wer als Modelle für solche Bilder zur Verfügung stand. Die Arbeit nach männlichen Aktmodellen gehörte im 18. Jahrhundert zu den Erfordernissen des akademischen Curriculums. Das Studium des weiblichen Körpers hingegen lag in der Verantwortung jedes einzelnen Künstlers. Im Hinblick auf Boucher wurde vermutet, ihm habe seine Ehefrau Modell gestanden, deren Schönheit allgemein bekannt war. Doch war es für die bürgerliche Frau eines angesehenen Künstlers der königlichen Akademie wohl schlichtweg unvorstellbar, als Aktmodell zu posieren. Auch Madame de Pompadour, die wiederholt in diesem Zusammenhang genannt wurde, ist aufgrund ihrer offiziellen Position als „maitresse en titre“ auszuschließen.
Durch zeitgenössische Überlieferungen als Aktmodell belegt ist die irischstämmige Marie-Louise O’Murphy, die aus bescheidenen Verhältnissen stammte. Ihre Familie war aufgrund von kriminellen Machenschaften verschiedentlich im Fokus der Polizei – Spionage, Diebstähle und Prostitution wurden ihr vorgeworfen. Ungeachtet dessen wurde O‘Murphy Bouchers Modell, doch schweigen die Quellen über den Charakter der Beziehung zwischen Maler und Modell.

Wie differenziert Boucher Haltung und Rolle von Frauen wiederzugeben verstand, führt sein großformatiges Bildnis der Madame de Pompadour vor Augen. Ihre makellosen Züge und das kostbare Kleid führen zweifellos Schönheit und Eleganz vor Augen. Doch bleibt der Künstler nicht bei den Äußerlichkeiten stehen. Vielmehr knüpft er mit den rahmenden Vorhängen und dem im Spiegel reflektierten Raum, der den formellen Staatskabinetten gleicht, an Herrscherdarstellungen an. Er fügt Bücher, Schreibzeug und Hinweise auf die künstlerische Tätigkeit der Dargestellten hinzu und zeigt sie damit sowohl als machtvolle als auch überaus gelehrte Frau.

Die hier kurz angerissenen Aspekte können die Komplexität der Frage nach der Rolle der Frauen im und für das Werk von Boucher nur andeuten. Wie weit tragen unsere heutigen Vorstellungen, wie stellt sich die historische Perspektive dar? Wir stehen vor der schönen Herausforderung, im abwägenden Urteil unseren eigenen Blick zu schärfen – auf die Kunst wie auch auf unsere eigenen Maßstäbe.