Nach Abschluss des Jubiläumsjahres 2021 – die Kunsthalle feierte ihr 175 jähriges Bestehen – kam ein weiterer, vielleicht der gravierendste Einschnitt: die baubedingte Schließung des Hauses. Und damit begann das, was ich gerne als „Once in a lifetime“-Projekt bezeichne: die Vorbereitungen und die Durchführung des Umzugs des kompletten Museums.

Das hat das gesamte Team über einen sehr langen Zeitraum gefordert; als Verantwortlicher musste ich hier kontinuierlich kommunizieren, motivieren, begleiten, agieren, reagieren, entscheiden – die ganze Palette der Managementkompetenzen war gefragt. Aus unterschiedlichsten Gründen verzögerte sich die Fertigstellung und die Übergabe der Interimsflächen immer wieder, so dass aufgestellte Zeitpläne oft eine kurze Halbwertszeit hatten. Ich habe in dieser Phase gelernt, mit Unwägbarkeiten und Ungewissheiten gut umzugehen und eine professionelle Gelassenheit zu entwickeln.

Diese war auch nötig, galt es parallel noch das klassische, über viele Strecke nicht unterkomplexe Alltagsgeschäft eines Geschäftsführers zu bewältigen. Ebenso mussten das vielfältige Bau- und Planungsgeschehen eng begleitet und die Nutzerinteressen gegenüber der Bauherrschaft und den beteiligten Architekt*innen und Fachplaner*innen aufmerksam vertreten werden.

Mittlerweile haben wir uns an unseren Interimsstandorten sehr gut eingerichtet und eingelebt, auch die Sammlungspräsentation im ZKM ist seit rund eineinhalb Jahre erfolgreich geöffnet, die Planungen für die Sanierung des Hauptgebäudes an der Hans-Thoma-Straße sind weit vorangeschritten, der Spaten ist gestochen, das Gebäude selbst ist an die Bauverwaltung übergeben.

Es scheint mir ein guter Zeitpunkt für eine Veränderung in meinem Leben zu sein – im verflixten siebten Jahr. Dass dieser Ausspruch tatsächlich auf den gleichnamigen Film aus dem Jahr 1955 mit Marylin Monroe zurückgeht, hätte ich übrigens nicht gedacht. Als was werde ich aber in der Kunsthalle in Erinnerung bleiben? Diese Frage müssen später einmal andere beantworten. Die Kunsthalle wird mir in Erinnerung bleiben als ein Haus mit einer phänomenalen Sammlung und als ein Museum, das sich seiner Tradition bewusst ist. Das sind gute Grundlagen, um nach Abschluss der Sanierung des Hauptgebäudes in eine gloriose Zukunft zu starten!

Digital vs. analog?

Es ist paradox: Während der Corona-Zeit waren sich schnell alle einig, dass die digitale Kommunikation ein wichtiges und unerlässliches Standbein ist, denn schließlich war dies für eine lange Zeit die einzige Möglichkeit, am Leben außerhalb von Quarantäne teilhaben zu können. Es war das einzige Mittel, wie man sich begegnen und seine liebsten Kultureinrichtungen besuchen konnte. Selbst Skeptiker*innen – sei es im eigenen Team oder innerhalb der Besucherschaft –  erkannten die Bedeutung des Digitalen an, was dazu führte, dass viele Museen und auch andere Einrichtungen endlich im Digitalen aufsatteln konnten, was zuvor vielleicht versäumt wurde. Jetzt – einige Zeit nach der akuten Pandemie und den damit verbundenen Einschränkungen – sind jedoch Rückschritte zu beobachten. Die 360°-Tour der Kunsthalle, die unabhängig von der Corona-Pandemie als Konservierung eines Museums gedacht war, das so nie wieder besuchbar sein wird, – erhielt neben einer Quiz-Challenge auch die Möglichkeit in der dortigen Umgebung eine Live-Führung stattfinden zu lassen. Sie sollen durch die so nicht mehr begehbare Architektur des Hauptgebäudes führen. Ein Umstand, der auch denjenigen Menschen zugutekommt, die aufgrund von körperlichen oder geographischen Einschränkungen nicht mehr vor Ort sein können.  Dennoch lässt sich überall beobachten, dass der Schwerpunkt seit einiger Zeit vor allem auf analoge Führungsformate gesetzt wird, obwohl diese zum Teil eine kleinere Zielgruppe erreichen als es virtuelle Führungen tun. Sollte es nicht auch an dieser Stelle viel eher das Ziel sein, die analoge und die digitale Vermittlungsebene als gleichwertig zu betrachten? Und mit Blick auf die Konkurrenz in Sachen Onlineangebote außerhalb der Kulturblase: Macht es nicht Sinn – inspiriert von den großen Player*innen – diese Angebote zu professionalisieren und auszubauen, statt sich zurückzuziehen?

Wir stehen jedoch nur an der Schwelle zu diesem imposanten Raum, ohne hineinblicken zu dürfen. Denn an diesem Übergang führt uns Oppenheim eine formale Analogie zwischen dem großen maurischen Bogengang zum Innenhof und dem Bogen der kleinen Wandnische vor Augen, die in einem tiefen Schwarz versinkt und darüber das reiche Stuck-Ornament nur als Idee aufscheinen lässt.

Durch die angewandte Technik des Salzpapierabzugs erscheinen die an sich fein ziselierten Wölbungen und Grate wenig konturscharf, eher weich und ätherisch. Die Alhambra liegt so wie unter einem Schleier und tritt als ein geheimnisvoller Ort in Erscheinung, dessen Schönheit über die Jahrhunderte hinweg bezaubert, auch vage Vorstellungen vom Exotischen und Anderen bedient und bis heute einen ungebrochenen Touristenmagnet darstellt.

Die Alhambra zählt zu den bedeutendsten Zeugnissen maurischer Baukultur, wie man sie in Andalusien und dem Maghreb finden kann. Sie steht außerdem für die Geschichte der islamischen Kunst und Kultur in Europa, die von der sukzessiven Eroberung des Reichs der Westgoten durch muslimische Berber im Jahr 711 bis zur sogenannten Rückeroberung Granadas durch die vereinigten christlichen Truppen Spaniens im Jahr 1492 währte. In anderen Worten: über 700 Jahre lang war der Islam früher schon einmal kontinuierlich in Europa beheimatet und hat ein reiches Erbe hinterlassen, das sich auch in der Gegenwart in zahlreichen transkulturellen Formen zeigt – von der Sprache und der Geistesgeschichte über die materiellen Zeugnisse der Baukultur bis hin zur Kulinarik.

In diesen Tagen begehen Muslim:innen den heiligen Fastenmonat Ramadan, eine Zeit der inneren Einkehr, während der man sich körperlich einschränkt und insgesamt ein wenig zurücknimmt, um der Spiritualität Raum zu lassen und in Familie oder Gemeinde das abendliche Fastenbrechen zu zelebrieren. Allen Muslim:innen wünschen wir eine friedliche Zeit des Miteinanders – Ramadan Mubarak!

Eine unendliche Geschichte?

Über 10 000 Kunstwerke aus dem Bestand der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe sind aktuell in der Sammlung Online aufrufbar. Das Angebot wächst stetig weiter, sowohl in absoluten Zahlen als auch in der Qualität der zur Verfügung gestellten Daten. Die sogenannte „Erschließungstiefe“, d. h. die Detailliertheit der mit einem Objekt verknüpften Informationen, reicht mittlerweile von den grundlegenden Basisdatensätzen mit einem niedrig aufgelösten Foto bis hin zu ausführlichen Werkdatensätzen mit Bildbeschreibungen, hochaufgelösten und (wo rechtlich möglich) frei downloadbaren Abbildungen, Rückseitenfotografien, Angaben zu Trivia, Ausstellungen und Literatur sowie wissenschaftlichen Kommentaren. Hinzu kommen weiterführende Inhalte vermittelnder Natur, wie die Einbindung von digitalen Touren, Blogbeiträgen, literarischen Auseinandersetzungen mit und detaillierten Betrachtungen von Kunstwerken aller Sammlungsbereiche.

Angesichts des Umfangs der Bestände ist klar: Die Arbeit an unserer Sammlung Online ist nicht nur work in progress – sie ist eine Aufgabe ohne Schlusspunkt. Denn es geht nicht allein um die fortlaufende inhaltliche Anreicherung, Prüfung und Publikation von Daten zu den vorhandenen Werken. Sowohl die Sammlung als auch unser Wissen zu den Kunstobjekten wächst und verändert sich und wird konstante Pflege und Zuwendung erfordern, um den Ansprüchen an Zuverlässigkeit und Aktualität zu genügen.

Hinzu kommt: Neben der (Weiter-)Entwicklung der technischen Infrastruktur im Hintergrund, die für die Websitebesucher*innen zumeist unsichtbar ist, werden wir abteilungsübergreifend auch an dem „Wie“ des Angebotes kontinuierlich weiterarbeiten. Denn die Nutzungsgewohnheiten und Erwartungshaltungen der vielfältigen, virtuellen Besucher*innengruppen sind ebenfalls einem fortwährenden Wandel unterworfen. Ein regelmäßiger Blick nach rechts und links, der regelmäßige Austausch mit Museumskolleg*innen im In- und Ausland sowie (potentiellen) Nutzer*innen ist dabei stets Inspiration und Ansporn.

Von ihren physischen Aufbewahrungsorten an Wänden, in Kästen und Regalen hat es die Kunst ins Internet geschafft – wohin ihre Reise von hier aus führt, liegt nun auch in der Hand der Betrachter*innen!

2017 entschloss sich Hermann Röchling zu einer letzten bedeutenden Erwerbung: Erfolgreich bot er auf Giovanni Domenico Tiepolos Menuett, angeboten von Christie’s. Mit diesem heiter-beschwingten Gemälde fügte er der Gruppe von Arbeiten aus dem 18. Jahrhundert (Giovanni Battista und Giovanni Domenico Tiepolo, Cornelis Troost, Jacopo Amigoni, Januarius Zick, Jacques-Henri Sablet) ein besonderes Glanzstück hinzu. Allerdings verkaufte er im Gegenzug ein Gemälde von Teniers, das eine elegante Gesellschaft im Garten zeigt und in der großen Karlsruher Teniers-Ausstellung von 2006 zu sehen war. Dabei ging es dem Sammler wohl mehr um die freiwerdende Hängefläche als um das eingenommene Geld: Nur wenige Wände des Wohn- und des kleinen Arbeitszimmers dienten nämlich der Präsentation seiner Kunstsammlung. An diesen Wänden war es mit der Zeit trotz dichter Hängung eng geworden, was auch Hermann Röchlings zunehmende Vorliebe für Kleinformate und schmale Zierrahmen erklärt. Verkäufe aus der Sammlung hatte es schon in den Jahren zuvor gegeben. So trennte sich Hermann Röchling immer wieder mal von Bildern, die er nur wenige Jahre zuvor gekauft hatte – darunter Werke von Lucas Cranach, Salomon de Bray und François Boucher. Es war eine lebende, eine ein- und ausatmende Sammlung.

Dem Gemeinwohl verpflichtet

Hermann Röchling ist nicht nur ein Mensch von großer Höflichkeit, sondern ein Philanthrop gewesen. Er lebte weltfern, ohne weltfremd zu sein. Sieht man von seinem teuren Hobby, dem Kunstsammeln, ab, so war er persönlich anspruchslos. Seinen Wohlstand wollte er mit der Allgemeinheit teilen. Das belegt nicht nur sein Vermächtnis zugunsten der Kunsthalle, sondern vor allem die 2008 von ihm gegründete Fontana-Stiftung. Sie unterstützt seither in starkem Maße karitative, kulturelle und wissenschaftliche Einrichtungen. Der Name der Stiftung leitet sich von einem Lieblingsgemälde Hermann Röchlings ab, das sich nun in der Kunsthalle befindet: Lavinia Fontanas mystische Heirat der heiligen Katharina. Es handelt sich um ein signiertes, kleines, um 1575 auf Kupfer gemaltes Frühwerk der später sehr erfolgreichen Malerin. Aber der Name „Fontana“ lässt auch an einen Brunnen denken, der tatsächlich in segensreicher Weise sprudelt. Davon profitiert auch weiterhin die Karlsruher Kunsthalle.

Im Oktober 2020 starb Hermann Röchling in Baden-Baden und wurde kurz darauf in Saarbrücken beigesetzt. Prof. Dr. Stephan Scherer, Vorsitzender der Fontana-Stiftung und langjähriger Vertrauter des Verstorbenen, gab seiner Trauerrede den Titel „Ein Leben in Bescheidenheit, Großmut und Höflichkeit“.

Eine unendliche Geschichte?

Über 10 000 Kunstwerke aus dem Bestand der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe sind aktuell in der Sammlung Online aufrufbar. Das Angebot wächst stetig weiter, sowohl in absoluten Zahlen als auch in der Qualität der zur Verfügung gestellten Daten. Die sogenannte „Erschließungstiefe“, d. h. die Detailliertheit der mit einem Objekt verknüpften Informationen, reicht mittlerweile von den grundlegenden Basisdatensätzen mit einem niedrig aufgelösten Foto bis hin zu ausführlichen Werkdatensätzen mit Bildbeschreibungen, hochaufgelösten und (wo rechtlich möglich) frei downloadbaren Abbildungen, Rückseitenfotografien, Angaben zu Trivia, Ausstellungen und Literatur sowie wissenschaftlichen Kommentaren. Hinzu kommen weiterführende Inhalte vermittelnder Natur, wie die Einbindung von digitalen Touren, Blogbeiträgen, literarischen Auseinandersetzungen mit und detaillierten Betrachtungen von Kunstwerken aller Sammlungsbereiche.

Angesichts des Umfangs der Bestände ist klar: Die Arbeit an unserer Sammlung Online ist nicht nur work in progress – sie ist eine Aufgabe ohne Schlusspunkt. Denn es geht nicht allein um die fortlaufende inhaltliche Anreicherung, Prüfung und Publikation von Daten zu den vorhandenen Werken. Sowohl die Sammlung als auch unser Wissen zu den Kunstobjekten wächst und verändert sich und wird konstante Pflege und Zuwendung erfordern, um den Ansprüchen an Zuverlässigkeit und Aktualität zu genügen.

Hinzu kommt: Neben der (Weiter-)Entwicklung der technischen Infrastruktur im Hintergrund, die für die Websitebesucher*innen zumeist unsichtbar ist, werden wir abteilungsübergreifend auch an dem „Wie“ des Angebotes kontinuierlich weiterarbeiten. Denn die Nutzungsgewohnheiten und Erwartungshaltungen der vielfältigen, virtuellen Besucher*innengruppen sind ebenfalls einem fortwährenden Wandel unterworfen. Ein regelmäßiger Blick nach rechts und links, der regelmäßige Austausch mit Museumskolleg*innen im In- und Ausland sowie (potentiellen) Nutzer*innen ist dabei stets Inspiration und Ansporn.

Von ihren physischen Aufbewahrungsorten an Wänden, in Kästen und Regalen hat es die Kunst ins Internet geschafft – wohin ihre Reise von hier aus führt, liegt nun auch in der Hand der Betrachter*innen!

Bernau im Schwarzwald ist der Geburtsort Hans Thomas und Ort deiner Ausstellung. Wie blickst du auf das Aufeinandertreffen deiner zeitgenössischen wie auch kritischen Kunst und dem traditionellen Heimatfest am Tag der Preisverleihung?

Ich glaube es ist ein Clash. Das war nicht mein Ziel, es ist vielmehr etwas, dem ich nicht mehr aus dem Weg gehen konnte.

In meiner Recherche haben wir Briefe von Thoma gefunden, die bislang nicht publiziert wurden.

Ich habe während der Recherche zu der Reise Thomas nach Holland entdeckt, dass der Grund für die Reise auch die Rembrandt-Ausstellung, die zu Ehren der Königin Wilhelmina stattfand, 1898 in Amsterdam war. In den weiteren Recherchen habe ich bemerkt, dass Hans Thoma zehn Jahre lang gut befreundet war mit Julius Langbehn, der das Buch Rembrandt als Erzieher geschrieben hat. Das hat Rembrandt in Deutschland bekannt gemacht. In Frankreich war er bei den Impressionisten schon länger bekannt, in Deutschland kannte man zwar auch schon seinen Namen, er galt aber noch nicht als der große Maler. Durch das Buch von Langbehn ist Rembrandt auch bei den Deutschen sehr bekannt geworden, viele reisten deshalb zur Ausstellung nach Amsterdam. So auch Hans Thoma.

In den Briefen zwischen Thoma und Langbehn wird deutlich, dass Langbehn als völkisch gesinnter Kulturtheoretiker einen großen Einfluss auf Thoma hatte. Aber auch Thoma selbst äußert sich an verschiedenen Stellen völkisch-national und auch antisemitisch. Das war etwas ganz Unerwartetes und als Fund auch ernüchternd.

Nun ist sie da, die Dissonanz zwischen meiner kritischen Arbeit und dem Hans-Thoma-Fest. Es war nicht meine Absicht, aber ich finde, wenn man eine seriöse Ausstellung machen will, muss man eine seriöse Arbeit leisten. Die Ausstellung ist nicht Teil des Festes, deshalb finde ich, dass man hier ernst sein kann, ohne dass das Fest dadurch gestört wird. Aber ich merke schon, dass man bisher Hans Thoma lieber gefeiert hat und nun muss man mit den neuen Fakten, die präsentiert werden, umgehen. Die müssen eingeordnet werden und das erfordert intensive Arbeit.

Ja, das kann ich nachvollziehen, wobei mir auch noch viele Lücken in der kunstwissenschaftlichen Auseinandersetzung mit Thoma auffallen, gerade im Spätwerk. Es wird nun sicherlich eine neue Debatte geben, bei der ich mir grundsätzlich die Frage stelle – da dies nicht nur Hans Thoma betrifft, sondern auch andere Künstler aus völkisch gesinnten Kreisen – welche Haltung wir im Kulturbereich einnehmen, wenn wir merken, dass neue biografische Fakten auftauchen, die in der Vermittlung problematisch sind, weil sie unseren heutigen Grundwerten widersprechen. Was bedeutet die Weltanschauung für das Schaffen, das Œuvre? Wo gibt es eine Beziehung zwischen der Haltung und dem Werk des Künstlers, und wo gibt es sie nicht? Lässt sich beides entkoppeln, oder wäre das zu einfach? Wieviel Kontextualisierung hält die Kunst aus, bevor sie zur historischen Quelle gerät? – Und diese Debatte wird nun von der Ausstellung weiter vorangebracht.

Ich denke auch, dass man zwischen dem frühen und dem späten Thoma differenzieren muss, die beiden kann man nicht miteinander vergleichen. Aber wenn ich auf das Museum hier in Bernau blicke, ist das eine Chance, sich dem frühen Thoma zu widmen, und sich auch mehr auf den Kontext des späten Thoma zu konzentrieren. Die Debatten des 19. Jahrhunderts, den ganzen Antisemitismus, den völkischen Nationalismus kann man hier behandeln und diskutieren. Wenn man das Umfeld von Hans Thoma miteinbezieht, gibt es dem Ganzen eine neue Dimension und mehr Tiefe.

1898

Die Ausstellung 1898 von Marcel van Eeden ist bis zum 15. Oktober 2023 im Hans-Thoma-Kunstmuseum in Bernau im Schwarzwald zu sehen. Die Werkschau wurde organisiert von der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe in Zusammenarbeit mit dem Hans-Thoma-Kunstmuseum.

Kunsthistorikerin, Moderatorin und Kulturberaterin Anke von Heyl sprach mit ihm u.a. über seine Visionen und Vorhaben als Direktor, die (digitale) Transformation, neue Zielgruppen sowie die Zukunft von Museen und Ausstellungen.

Lieber Frédéric, ich habe mich sehr gefreut, als ich erfuhr, dass du neuer Direktor der Kunsthalle Karlsruhe bist. Zum einen natürlich, weil ich der Kunsthalle sehr verbunden bin und ihr nur die Besten wünsche! Zum anderen, weil ich dich und dein Engagement für das Digitale auf Twitter verfolgt habe und wir zuletzt ja auch über eine Kulturinstanz auf Mastodon im Austausch waren. Deswegen zielt meine erste Frage auch in diese Richtung: Wie hältst du es mit dem Digitalen? Welchen Stellenwert nimmt unter deiner Leitung die Digitalität in der strategischen Ausrichtung der Kunsthalle Karlsruhe ein?

Das Digitale wird einen hohen Stellenwert einnehmen! Auch wenn ich in einer analogen Welt aufgewachsen bin – was ich als einen großen Reichtum empfinde –, habe ich mich seit Mitte der 1990er Jahre intensiv mit digitaler Kommunikation und dem Internet auseinandergesetzt. Das Digitale bildet inzwischen die Grundlage unserer Arbeits- und Kommunikationsprozesse, im Digitalen spielt sich ein Großteil der Debatten und der Öffentlichkeit ab. In der Kunsthalle Karlsruhe werden bereits seit einigen Jahren intensiv und differenziert digitale Techniken im Bereich der Kommunikation und Vermittlung genutzt. Das möchte ich fortführen und dort, wo sinnvoll, noch stärken. Auch unsere gesamte Arbeit sollte digital und vernetzt passieren. Das hat natürlich auch Auswirkungen darauf, wie wir uns organisieren und kommunizieren. Es ist also ein umfassender Prozess, der sich auf interne Abläufe ebenso auswirkt wie auf unser Verhältnis zum Publikum. Das berührt auch Fragen der Expertise, des auktorialen Erzählens sozusagen, wer darf wie auf welcher Grundlage und Autorität sprechen, und kann zu einer Öffnung von Wissen und Teilhabe führen. Dabei geht nicht um das Spiegeln des Analogen im Digitalen, sondern um eigene digitale Angebote und Realitäten, die für sich stehen.

Nichtsdestotrotz sind Museen aus meiner Sicht zuvorderst analoge Räume mit zumeist analogen Objekten; gerade die Kunsthalle Karlsruhe hat eine wunderbare Sammlung von herausragenden und zum Teil sehr alten Kunstwerken, die über eine hohe Präsenz im Raum verfügen. Die Wahrnehmung von Objekten im Raum durch Menschen und die Reflektion darüber steht meiner Auffassung von Museum nach im Fokus aller Bemühungen. Aber ich will hier keinen künstlichen und überflüssigen Widerstreit von Analog und Digital heraufbeschwören, sondern das Beste beider Welten nutzen.

Die Tradition der Kunsthalle Karlsruhe ist beeindruckend! Eine der ältesten Sammlungen Deutschlands. Wer die Kunstgeschichte liebt, der kommt aus dem Schwärmen gar nicht mehr heraus. Für mich ist es aber immer wieder eine große Herausforderung, Kunst an die Bedarfe einer sich derzeit extrem wandelnden Gesellschaft anzuschließen. In Chemnitz habt ihr ja von den Kunstsammlungen initiiert einen Open Space in der Stadt eingerichtet, was ich fantastisch finde. Nimmst du solche Konzepte auch mit nach Karlsruhe?

Karlsruhe hat eine beeindruckende und traditionsreiche Sammlung auf höchstem europäischen Niveau. Diese muss in die Gegenwart übersetzt werden, gerade auch die Alten Meister mit ihren vielfältigen religiösen Bezügen. So sind die Vermittlungsarbeit und das Übersetzen der vergangenen Zeiten in die heutige gesellschaftliche Realität, die Schaffung von Relevanz für unsere Gegenwart, eine der großen Herausforderungen des Museums. Jedes Museum bewegt sich von der Geschichte und Sammlung her, den Traditionen, den identitätsstiftenden Elementen, der Programmatik und künstlerischen Ausrichtung in einem jeweils sehr spezifischen Kontext, was ja gerade den Reichtum der Museumslandschaft in Deutschland ausmacht. Und jedes Museum hat eigene Publika und gesellschaftliche Kontexte, mit denen es im Dialog steht. Diese Dialogbereitschaft, nicht nur senden zu wollen, sondern auch zu empfangen und zu reflektieren, setzt voraus, dass ein Museum sich öffnet, aus der Komfortzone normativer Räume auch mal ausbricht und neue Orte bespielt, neue Publika in den Fokus rückt und neue Ansprachen wählt.

Der Chemnitz Open Space funktionierte sehr gut, hat wichtige Impulse durch das gemeinsame Bespielen des Ortes mit anderen Institutionen und Vereinen, mit Initiativen und Bürger:innen in die Stadtgesellschaft gegeben. Das Museum hat das Umfeld ein Stück weit ‚empowert‘ und umgekehrt auch an Wirksamkeit und Glaubwürdigkeit gewonnen. In Karlsruhe angekommen, werde ich mehr über die Stadt(gesellschaft) lernen, die Situation, die Menschen und Diskussionen besser kennenlernen, um zu verstehen, wie wir mit dem Team zusammen die richtigen Projekte und Räume entwickeln können. Hier finde ich es zum Beispiel sehr wichtig, dass es die Junge Kunsthalle gibt und auch die neue Heimstätte im ZKM kann durch die neuen Nachbarschaften viel produktive Energie auslösen. Vielleicht lassen sich noch weitere Orte finden, um bei ganz unterschiedlichen Communities als Partner präsent zu sein?

Unlängst wurde eine neue Museumsdefinition bei ICOM veröffentlicht, die wohl ziemlich lange diskutiert worden ist. Mir gefällt an der neuen Position vor allem der Aspekt der Vielstimmigkeit, den Museen nun auch als ihre Aufgabe ansehen. Wir sprechen hier den Wandel der Institutionen und die Transformation im Kulturbereich an. Was ich beobachte: Wenn es ans Machen geht, gibt es durchaus immer noch viele Hürden. Wie ist deine Haltung generell im Hinblick auf die zukünftige Rolle von Museen.

Ich empfinde Vielstimmigkeit nicht als Unstimmigkeit, sondern als Bereicherung. Insofern begrüße ich die Erweiterung der ICOM-Museumsdefinition, da ich Museen nicht als abgeschlossene Systeme sehe, sondern immer im Dialog mit dem jeweiligen gesellschaftlichen Umfeld. Das Verhältnis von Kunst und Gesellschaft war immer im Wandel, das war nie statisch, gerade seit der Moderne. Traditionell simulieren Museen aber Ewigkeit, Beständigkeit und Anspruch auf die eine Wahrheit, daraus gründet sich ein Stück weit auch die öffentliche Förderung und das symbolische Kapital von Museen, besonders von Kunstmuseen. Aber natürlich wissen wir, dass dieser Anspruch nur eine Behauptung ist, die immer wieder neu verhandelt, begründet und auch kritisch hinterfragt werden muss. Damit will ich nicht die Grundfesten der Museumsarbeit im Bewahren, Sammeln, Erforschen und Vermitteln in Frage stellen, aber es ist klar, dass sich der Blick und das Verständnis von Kunst und von Museen in einem kontinuierlichen Wandel befindet. Deshalb hat jede Generation aufs Neue das Recht-vielleicht sogar die Pflicht -eigene Perspektiven, Argumentationen und Interpretationen zu entwickeln, was ja der Kern der Geschichtswissenschaft ist. Unsere Diskurse ändern sich, entsprechend auch das Verhältnis von Kunst, Institution, Publikum und Gesellschaft. Die Vermittlung tritt gleichberechtigt in den Dialog mit der Wissenschaft, kulturelle Teilhabe ist eine zentrale Forderung auch an Museen, unterschiedliche Publika reklamieren Repräsentanz in den öffentlich geförderten Einrichtungen, Multiperspektivität gibt Raum für Horizonterweiterungen und neue Sichtweisen, die nicht die wissenschaftlich-kuratorische Sicht ersetzen, aber ergänzen kann. Dem sollten wir angemessen begegnen, uns öffnen und diese neuen Nachbarschaften, die uns bereichern, suchen und schätzen lernen, ohne Angst vor Veränderungen zu haben.

Es geht nicht darum, auf einmal alles anders zu machen und keine wissenschaftliche Grundlage für die eigene Arbeit zu haben, sondern darum, das Gute zu bewahren, sich zugleich auf Experimente einzulassen und die Vielstimmigkeit wie bspw. durch neue Nachbarschaften als Bereicherung und nicht als Bedrohung zu sehen.

Du bist in Frankreich geboren und hast schon woanders gesagt, dass die Sammlung der Kunsthalle mit eindeutig französischem Einschlag ein Grund war, warum dich der Posten als Direktor gereizt hat. Das ist eine tolle Ausgangslage, wenn man auch über die regionalen Grenzen hinaus wirken will. Hier können Marketing und Vermittlung im Sinne des Audience Development viel leisten. Hast du schon Ideen mitgebracht, das auszubauen?

Frankreich war lange Zeit kultureller und künstlerischer Referenz- und Anziehungspunkt für weite Teile Deutschlands und hat auch die Sammlung in Karlsruhe mitgeprägt. Grundsätzlich möchte ich die sowieso schon guten Beziehungen zu Frankreich und französischen Institutionen weiter ausbauen und mit Leben füllen. Die europäische Integration ist das große Friedensprojekt des 20. Jahrhunderts und Grundlage für unsere Zukunft. Diese muss gelebt werden, gerade mit Blick auf unseren Nachbarn Frankreich, galten unsere westlichen Nachbarn doch über Generationen hinweg als Erbfeind und wurden dann zu den engsten Verbündeten für ein friedliches und prosperierendes Europa. Grundsätzlich würde ich mir wünschen, dass wir unsere Präsenz in Frankreich weiter erhöhten, gemeinsame Ausstellungsprojekte entwickelten, den Austausch vielleicht auch auf personeller Ebene vorantrieben und anderes mehr anstießen. Karlsruhe ist hier ein natürlicher Brückenkopf nach Frankreich, sodass ich auf kuratorisch-wissenschaftlichem Gebiet, aber auch mit Blick auf Marketing in der Europaregion und durch Vermittlung die Beziehungen vertiefen möchte. Wir müssen bei unseren Nachbarn präsent sein, attraktive Angebote machen.

Man weiß von dir, dass dir Demokratiebildung ein wichtiges Anliegen ist und du dich auch politisch engagierst. Ich verfolge in Debatten die Haltung – ehrlich gesagt öfter aus der Perspektive der Kunstmuseen – dass man als Museum ein neutraler Ort bleiben müsse. Meiner Meinung nach bieten sich aber auch bei Bildender Kunst viele Chancen, dass man dem Denken eine andere Richtung geben könnte, oder? Was ist deine Meinung dazu?

Museen sind Bildungsinstitutionen und sind Orte der kulturellen Teilhabe und damit auch der demokratischen Prozesse. Ich denke nicht, dass es neutrale Orte gibt, auch eine vordergründige Neutralität ist eine Aussage. Im Zweifelsfall kann einem die noble Zurückhaltung als Desinteresse oder gar Zustimmung ausgelegt werden. Parteipolitisch sollten Museen sich neutral verhalten, aber ich sehe Museen als gesellschaftliche Akteure, die sich in bestimmten Konstellationen mit ihren Mitteln in gesellschaftspolitische Debatten einbringen können. Museen können durchaus Debatten führen, andere Impulse setzen, andere Zugänglichkeiten zu kritischen Themen schaffen, vielleicht auch über Emotionen und soziale Verbindungen zu einem Kern von Konflikten und Kontroversen vorstoßen, die über einen rein wissenschaftlichen Diskurs hinausgehen und die Menschen zur Reflektion animieren können. Auch viele zeitgenössische Künstler*innen beschäftigen sich mit politischen und gesellschaftlichen Fragen, ihre Arbeit kann eine große Bereicherung für Museum und Publikum sein, da wir im Idealfall verstehen und erleben können, wie unser eigenes Denken bereichert wird, wie unsere festen Standpunkte vielleicht auch in Frage gestellt werden und wir uns kritischen Debatten in der offenen Gesellschaft stellen können.

Ich komme nochmal auf das Thema Transformation zurück. Alles, was wir bis hierhin gesprochen haben, muss gelebt, muss umgesetzt werden. Und wenn wir über Wandel verbunden mit Veränderung sprechen, dann stellt sich auch die Frage nach neuen Arbeitsformen und -weisen. Es ist von dir das Stichwort Experiment an anderer Stelle schon angesprochen worden und es gibt mit der Schließungszeit eine spannende Situation, in der man möglicherweise Dinge anders angehen könnte. Was sind aus deiner Sicht wichtige Voraussetzungen, um sich auch auf Experimente (und möglicherweise Neues und Radikales) einlassen zu können?

Die Phase des Umzugs hat das Team viel Energie abverlangt. Das ist wohl ein einmaliger Vorgang in einem Museum, dass die gesamte Sammlung, Archive, Bibliothek, Büros und Werkstätten ausgelagert werden müssen. Nun gibt es eine sehr gute Bürosituation und eine gute Präsentation der Sammlung im ZKM, sodass der Blick in die Zukunft gerichtet werden kann in einem neuen Umfeld jenseits der alten Komfortzone, jenseits der eingefahrenen Wege und Vorstellungen. Das kann ja den Blick erfrischen, neue Perspektiven können eingenommen werden, neue Formate versucht und neue Nachbarschaften erkundet werden. Die Sanierungsphase bietet uns als Team Gelegenheit, uns zu unseren Vorstellungen von Museum, unserer Arbeitsweise und Strukturen, auch unserem Verhältnis nicht nur zu Kunst und Künstler*innen, sondern auch zu Stadt und Gesellschaft zu befragen, unser Selbstverständnis abzuklopfen, oder eben auch ephemere Präsentationen an eher ungewöhnlichen Orten zu bespielen, unsere Angebote und Kommunikation offener zu gestalten und zu den Menschen hinzugehen. Wir werden nicht alles überall machen können, auch nicht alles für alle, aber differenziert bestimmte Angebote machen und Dinge ausprobieren. Somit können wir diese Zeit zum Lernen nutzen, um mehr über unsere eigene Arbeit und unsere Publika erfahren und hoffentlich dann produktiv in unsere Arbeit im dann sanierten Museum weiterzuführen.

Museen sind auch forschende Institutionen. Gibt es neuere kunsthistorische Forschungsfelder, die auch für die Kunsthalle Karlsruhe spannende Impulse liefern könnten? Mit welchen Fragen könnte man vielleicht auch die Sammlung neu beleuchten?

Ich persönlich verfolge einen eher kulturhistorischen Ansatz der Kunstgeschichte, habe mich immer auch für den historischen, politischen, kulturellen und gesellschaftlichen Kontext von Kunst interessiert, entsprechend meine Dissertation über das Sammeln als Strategie im Rahmen politischer und kultureller Rivalitäten im Frankreich der Aufklärung geschrieben. In den letzten Jahren und Jahrzehnten haben weitere wissenschaftliche Ansätze und Forschungsbereiche die Kunstgeschichte geprägt, bildwissenschaftliche Ansätze und globale Perspektiven wie sie ja etwa Hans Belting als lange Zeit prägender Kopf der HfG Karlsruhe vertreten hat, die Entgrenzung der Künste und ihre Intermedialität, feministische Ansätze bzw. Genderfragen oder der Blick auf den kolonialen Kontext und postkoloniale Ausrichtungen. Neuere Forschungsansätze werden ja mit großem Erfolg seit Längerem bei uns betrieben, und auch die Öffnung zur Fotografie unter eher bild- und kulturwissenschaftlichen Ansätzen wurde gerade vollzogen. Aber im Museumsbetrieb gibt es ja in der Regel eine ganze Reihe von Wissenschaftler*innen jenseits des Direktors, die ihre eigenen Ansätze haben und am wissenschaftlichen Austausch teilhaben. Ich bin hier völlig offen für andere wissenschaftliche Ansätze, die im Kontext der Sammlung von Bedeutung sein können, welche genau das sein könnten, wird sich zeigen, wenn ich mich vor Ort intensiv mit der Sammlung auseinandersetzen konnte.

Vielleicht können wir am Schluss auch noch einmal das Thema Nachhaltigkeit in den Blick nehmen. Und in dem Zusammenhang auch die Vorstellung von Blockbuster-Ausstellungen. Hältst du die weiterhin für notwendig? Auch im Hinblick auf die Wahrnehmung beim Publikum?

Die Frage zielt auf ein großes Dilemma der Museumsarbeit, dem wir uns stellen müssen und zu der ich noch keine befriedigende Antwort habe. Die Forderung, die sich in den letzten Jahren mit einer enormen Geschwindigkeit angesichts der dramatischen Entwicklung im Bereich des globalen Klimas und der nahenden Kipppunkte durchgesetzt hat, ist wohl klar: Klimaneutralität bis 2030. Ich unterstütze diese Forderung und möchte mit meiner Arbeit dazu beitragen, dass wir das schaffen können. Zugleich weiß ich aber, etwa mit Blick auf die Sanierung der Kunsthalle, dass wir hier noch nicht die optimale Lösung und Ansätze in allen Bereichen haben. Mit Blick auf das Ausstellungsprogramm zeigt sich das Dilemma darin, dass wir wissen, dass sogenannte Blockbuster-Ausstellungen nicht mehr zeitgemäß sind, ökologisch und bisweilen auch ökonomisch, aber dass die großen und vielbesuchten Publikumsmagneten häufig immer noch darin bestehen, bekannte Werke von bekannten Künstler*innen mit großem Aufwand aus aller Welt zusammenzubringen. Zuletzt war dies zu beobachten bei der Vermeer-Ausstellung im Rijksmuseum in Amsterdam, die nach vier Tagen ausverkauft war und die, das muss ich zugeben, auch ich mit großem Gewinn gesehen habe. Mein Wunsch wäre es, beim Publikum, aber auch bei Geldgebern und Trägern dafür zu werben, dass auch die weniger ressourcenverbrauchenden Ausstellungen, gerade auch solche, die aus eigenen Beständen sich speisen, toll und von hohem Interesse sein können, Vergnügen bereiten, wissenschaftlich anspruchsvoll und den Horizont erweitern können. Aber das wird nicht einfach, da sind auch gesamtgesellschaftliche Veränderungen notwendig, sodass wohl beides gemacht werden muss, dabei aber mit großer Sorgfalt auf ein möglichst nachhaltiges Arbeiten in möglichst allen Bereichen geachtet werden sollte.

Ich bin mir sicher, dass der Kurator in dir schon eine genaue Vorstellung von Ausstellungen hat, die du gerne umsetzen würdest. In mir schlägt ja das Vermittlerinnenherz und deswegen würde mich neben deiner Vision einer perfekten Ausstellung auch interessieren, was hier deine Rezepte für Relevanz und Wirkung beim Publikum wären.

Auch hier eine Kernfrage zur Museumsarbeit, zur Relevanz unserer Arbeit, auf die ich keine schnelle Antwort geschweige denn ein Rezept habe. Ich muss zugeben, dass ich die Frage der Relevanz durchaus auch mit ein wenig Unbehagen sehe: Wer will nicht relevant sein? Aber was ist relevant und ist Relevanz wichtiger als alles andere? Grundsätzlich sollte unsere Arbeit, sollten Ausstellungen, Vermittlungs- und Forschungsprojekte, ihre Fragen aus unserer Gegenwart heraus zu stellen, mit Fragestellungen, die etwas mit unserem Leben zu tun haben, in einem Museum, das mitten im Leben der Menschen steht und das ein Sensorium für die Wirklichkeit um das Museum herum, die Notwendigkeiten und Bedürfnisse hat. Das ist nicht als Populismus zu verstehen, sondern als Ausdruck eines offenen Dialogs mit unserem Publikum. Ein Beispiel: Wir haben in Chemnitz vor zwei Jahren ein Audience Development-Projekt mit Besucher*innen und Nicht-Besucher*innen durchgeführt. In beiden Gruppen wurde häufig der „mangelnde Bezug zu meinem Leben“ als Kritikpunkt genannt. Relevanz ist also nicht nur eine Frage des Selbstverständnisses, der gesellschaftlichen Bedeutung, der Glaub- und Förderungswürdigkeit, sondern auch ganz konkret auf je unterschiedliche Weise für das Publikum und dem Zuspruch wichtig. Aber so divers die Publika, so unterschiedlich die Auffassung, was als relevant empfunden wird. Das Spektrum ist weit und ich könnte unzählige Beispiele aufzählen, was im Museum alles gesucht wird, sodass ich am Ende ein wenig unschlüssig vor diesem Begriff der Relevanz stehe. Deswegen denke ich, dass wenn wir uns die Frage nach der Relevanz von Themen, Ansprachen oder Methoden stellen, sollten wir von den aktuellen wissenschaftlichen Fragen und gesellschaftlichen Debatten ausgehen und diese zusammendenken mit den Bedürfnissen eines diversen Publikums. Wir sollten den Dialog suchen, um unterschiedliche Erwartungshaltungen und relevante Fragen zu verstehen und diese in unsere eigene Arbeit einfließen zu lassen. Wir sind im Museum Kompliz*innen der Künstler*innen, Hüter*innen der Sammlungen und Freund*innen des Publikums. Am Ende des Tages sehe ich aller berechtigten Kritik an der Institution zum Trotz im Museum einen Ort der Aufklärung, das Selbstbewusstsein steigern und Selbstermächtigung anregen soll, und dies können wir nur tun, wenn das Publikum uns als relevant für das eigene Leben wahrnimmt.

Vielen Dank, lieber Frédéric Bußmann für das Gespräch. Ich wünsche ganz viel Erfolg für den Start in der Kunsthalle Karlsruhe und freue mich, wenn wir uns dann in Karlsruhe irgendwann einmal persönlich kennenlernen. Bis dahin verfolge ich weiter als critical friend alles, was Ihr zukünftig vorhabt.